Форум неофициального сайта Николая Цискаридзе

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.


Вы здесь » Форум неофициального сайта Николая Цискаридзе » Мировые тетры оперы и балета » Михайловский театр Санкт-Петербург


Михайловский театр Санкт-Петербург

Сообщений 1 страница 30 из 51

1

ИСТОРИЯ

Блестящая история Михайловского театра началась с выбора архитектора здания. Тонкий знаток искусства, Александр Брюллов строил здание театра, вписывая его в уже сложившийся ансамбль площади Искусств, и потому фасады театра выполнялись по проектам Карла Росси для «рифмы» со зданием Михайловского дворца. Брюллов создал волшебную шкатулку: о том, что за скромным фасадом скрывается театр, можно догадаться лишь по крыше, где за куполом над зрительным залом видна высокая коробка сцены. Весь блеск императорского театра заключен внутри: серебро и бархат, зеркала и хрусталь, живопись и лепнина. 8 ноября 1833 года театр открыл свои двери для первых зрителей.

Театр и дворец, носящие имя великого князя Михаила Павловича, со временем стали прочно ассоциироваться с изящными искусствами. В 1859 году архитектор Альберт Кавос, по воле судьбы отвечающий за городские музыкальные театры, перестраивает здание, расширяет сцену и надстраивает ярус в зрительном зале: театр становился все более популярным. Именно во время этой перестройки в Михайловском театре появился плафон итальянского художника Джованни Бузатто «Победа сил просвещения и наук над темными силами невежества».

В театр съезжался весь петербургский свет, включая двор и императорскую семью. На сцене театра выступали французская и немецкая труппы, а за дирижерским пультом не раз стоял маэстро Иоганн Штраус.
После 1917 года история театра стала более драматической, но не менее насыщенной. После революции иностранные актеры были вынуждены покинуть страну, и для Михайловского театра остро встал вопрос формирования собственной труппы.

6 марта 1918 года театр открыл новый сезон в роли второго государственного оперного театра Петрограда; в 1920 году театр получил название Государственного академического театра комической оперы; в 1921-м он был переименован в Малый академический театр, а в 1926-м — в Ленинградский академический Малый оперный театр (МАЛЕГОТ). И несмотря на трудную судьбу в эти годы, театр оставался на пике городской жизни. В 1930-е годы балетную труппу возглавил выдающийся танцовщик и хореограф Федор Лопухов. Одновременно с этим театр становится некой «лабораторией по созданию советской оперы». На его сцене впервые были поставлены оперы «Нос» и «Леди Макбет Мценского уезда» Дмитрия Шостаковича, и новаторская «Пиковая дама» Всеволода Мейерхольда. После войны Малый театр оперы и балета продолжил сотрудничество с современными композиторами, впервые в мире поставив «Войну и мир» Сергея Прокофьева.

Со временем все большую роль в театре стали играть не театральные режиссеры, а известные дирижеры: Борис Хайкин, Кирилл Кондрашин, Эдуард Грикуров, Юрий Темирканов, Курт Зандерлинг.

В 1989 году театру было присвоено имя Модеста Петровича Мусоргского, а на сцене главенствующую роль заняла русская классика: «Борис Годунов» и «Хованщина» Мусоргского, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» Чайковского, «Золотой петушок» и «Сказка о царе Салтане» Римского-Корсакова, «Князь Игорь» Бородина.

В 2001 году всплывает из глубины времён прежнее, дореволюционное название. С 2007 года историческое название — Михайловский театр — возвращается на первый план и в официальном наименовании добавляется к существовавшему с 1991 года: Санкт-Петербургский государственный академический театр оперы и балета им. М.П. Мусоргского — Михайловский театр.

http://se.uploads.ru/t/B59LZ.jpg
http://se.uploads.ru/t/39Jq1.jpg
http://se.uploads.ru/t/IDSlx.jpg
http://se.uploads.ru/t/8Tvfn.jpg

0

2

МИХАЙЛОВСКИЙ ТЕАТР СЕГОДНЯ

http://se.uploads.ru/t/z1iY6.jpg
http://se.uploads.ru/t/uCsS3.jpg
http://se.uploads.ru/t/mKzFt.jpg
http://se.uploads.ru/t/pvYQR.jpg
http://se.uploads.ru/t/i52tX.jpg
http://se.uploads.ru/t/a2Xx6.jpg
http://se.uploads.ru/t/PUC36.jpg

0

3

МИХАЙЛОВСКИЙ ТЕАТР
24.02.2015
100-летие хореографа Константина Боярского
22 февраля мы отметили 100 лет со дня рождения Константина Фёдоровича Боярского, выдающегося хореографа, с именем которого связаны важнейшие страницы истории балета Малого оперного театра.
Выпускник Ленинградского хореографического техникума, один из лучших учеников Лопухова, до войны Константин Федорович танцевал в Кировском театре. Исполнял партии Ивана-дурачка («Конёк-Горбунок»), Андрея («Катерина»), Юноши («Бахчисарайский фонтан»), Жана («Пламя Парижа») и др. Как хореограф и танцовщик работал в Ленинградском театре музыкальной комедии, и десять лет своей жизни — с 1956 по 1967 посвятил Малому оперному. На этой сцене Боярский поставил «Франческу да Римини» на музыку Чайковского, «Накануне» Шварца, «Классическую симфонию» на музыку Первой симфонии Прокофьева, одноактные балеты на музыку Шостаковича: «Встреча», «Директивный бантик», «Барышня и хулиган». Способствовал возвращению на русскую сцену балетов Фокина — «Эрос» на музыку Чайковского, «Петрушка», «Жар-птица» Стравинского.
Время Константина Боярского — это годы, когда балет МАЛЕГОТа смело экспериментировал, привлекал к работе ленинградских композиторов, сценаристов и художников, использовал самые неожиданные литературные источники для создания либретто. На балетной сцене 1950-х—60-х годов царил драмбалет, сыгравший большую роль в развитии балетного театра, позволивший ему в дальнейшем перейти к большой литературе — к произведениям Шекспира, Достоевского, Чехова. Боярский стал замечательным последователем этого направления, в то же время обогащая и открывая новый хореографический язык и режиссёрские приёмы построения спектаклей. В результате возник балетный театр нового качества — и в хореографии, и в драматургии спектакля.
— Сочинял Константин Фёдорович легко, быстро и очень музыкально, — вспоминал Николай Боярчиков. — Не в том смысле, что «оттанцовывал» каждую ноту, а в логике музыкальной темы или ритмического пульса. Ему хотелось делать что-то новое, у него рождались оригинальные замыслы. Боярский был замечательным мастером дуэтного танца, тонко чувствующим нюансы отношений, и перед исполнителем ставилась трудная задача освоить сложный хореографический текст, сделать его своим.
В наследии хореографа безоговорочное признание получил балет по сценарию Владимира Маяковского «Барышня и Хулиган». Одно из лучших его творений, увидевшее свет рампы в 1962 году, обошло в 1960–70-е годы сцены всей страны. Музыка Шостаковича, собранная из балетов «Золотой век» и «Болт», подсказала хореографу точные психологические характеристики персонажей, нашедшие убедительное воплощение в хореографии, одновременно лаконичной и образной: дерзкую характерность пластики Хулигана и доведённый до манерности классический танец Барышни.
Боярский сумел воплотить мелодраматический сюжет без сентиментов, а бытовой фон «отретушировать» пародийно-юмористическим штрихом. Истинной находкой для актёров стал образ Хулигана — этакого Ромео городской окраины. Вениамин Зимин, Николай Боярчиков, Валерий Панов, танцовщики разных индивидуальностей, толковали эту роль по-разному, то опираясь на отчаянно-залихватские интонации музыки, то находя повод к нелёгким раздумьям и к своей «хулиганской» лирике.
Константин Фёдорович всегда оставался личностью ищущей, нередко поступающей вопреки установленным канонам и нелёгким обстоятельствам. Спустя многие годы можно с уверенностью говорить о том, что опыт Боярского во многом способствовал рождению целого ряда талантливых спектаклей, созданных балетмейстерами новых поколений.

0

4

Ув. гксюша, спасибо, что упомянули о юбилее Боярского, и, в частности, его балеты Накануне по Тургеневу и Барышню и хулигана. Он был довольно плодовитым хореографом. Мне очень нравился балет Накануне. Там танцевала Сафронова. К сожалению, он, наверное, не сохранился.

0

5

http://se.uploads.ru/t/YUClw.jpg

03.03.2015

Первая, она же «Десятая»

Симфонический оркестр Михайловского театра 14 марта дает концерт в Большом зале филармонии. Михаил Татарников, который в этот вечер будет стоять за дирижерским пультом, рассказывает, как формировалась программа филармонического концерта.

— Исполнить Первую симфонию Брамса с нашим оркестром — моя старая задумка. Эту вещь я не просто очень люблю — я считаю ее знаковой в мировом симфонизме. Я понимаю, почему, вслед за дирижером Гансом фон Бюловым, многие называют эту симфонию «Десятой». Имеется в виду, что после Девятой симфонии Бетховена ничего сравнимого по силе и масштабу долгое время не появлялось, а произведение Брамса, впервые прозвучавшее в 1876 году в Карлсруэ, продолжает музыкальные традиции Бетховена. Поэтому, хотя у Брамса она первая, но в мировом музыкальном масштабе считается десятой симфонией.

— Меня всегда привлекала история ее написания, — продолжает Михаил Татарников. — Всего у Брамса четыре симфонии, но первую он написал в очень зрелом возрасте. И очень многие люди его долго к этому подталкивали. Известно, сколь высокие и нежные чувства он питал к Кларе Шуман. И она, в числе других его друзей, просила, предлагала, умоляла — в письмах, потому что после смерти Роберта Шумана их общение с Кларой было только эпистолярным, — чтобы Брамс обратился к симфоническому жанру.

— С другой стороны, злые языки уверяли, что Брамсу пришлось написать эту симфонию ради, так скажем, получения тепленького местечка. Считалось, что уж если ты композитор, то хотя бы одна симфония должна быть написана обязательно. Но, даже если здесь есть некоторая доля правды, к написанию своей Первой симфонии Брамс подошел уже очень зрелым человеком, как с точки зрения жизненного опыта, так и профессионального мастерства. Он был к ней абсолютно готов. И симфония получилась в меру насыщенная и при этом не перегруженная, выдержанная по форме, лишенная юношеского задора или максимализма, наполненная мелодизмом.

— Что касается Второго фортепианного концерта Рахманинова, то это та музыка, которую должен иметь в репертуаре любой оркестр, и которая должна обязательно звучать в петербургской филармонии не реже чем раз в сезон. С нами будет играть молодой солист Саша Лубянцев — он из нового поколения, очень яркий, очень самобытный музыкант. Приятно, что именно нам доверили исполнение музыки, про которую можно просто сказать: «Рахманинов — это наше всё».

Программа концерта в Большом зале филармонии 14 марта:

Рахманинов: Вокализ, Концерт № 2 для фортепиано с оркестром;
Брамс: Симфония № 1

0

6

http://se.uploads.ru/t/AB9P7.jpg
10.03.2015

Памятник Никите Долгушину

Бюст народного артиста СССР Никиты Долгушина, созданный в гипсе ещё при жизни мастера, в течение месяца будет выставлен в музее Михайловского театра. Впоследствии памятник работы петербургского скульптора Вячеслава Коваленко планируется установить на могиле артиста на Смоленском кладбище.

Никита Александрович Долгушин — выдающийся танцовщик, хореограф, педагог, знаток балетного наследия. Он по праву имел репутацию танцовщика-интеллектуала, способного уловить токи времени и ответить своим искусством на самые сложные этические и эстетические вопросы. С 1968 года его творческая судьба была связана с Михайловским театром: до 1983 года он был ведущим танцовщиком балетной труппы, а в 2007 году вернулся в театр в качестве педагога-репетитора. Долгушин-хореограф — автор оригинальных балетов и концертных номеров, непревзойденный реставратор шедевров мирового классического наследия. Его редакция балета «Жизель», идущая на нашей сцене, считается одной из самых тонких и изысканных.

В музее театра, расположенном на 2-м ярусе, есть специальная книга отзывов, где можно оставить свое мнение о проекте памятника.

0

7

4.03.2015

Поднять оркестр на сцену

Накануне симфонического концерта, в программе которого музыка Дебюсси, Слонимского и Стравинского, Михаил Татарников дал интервью газете «Невское время». Маэстро рассказал о взаимосвязи оперного и филармонического дирижирования и о том, что делает дирижера «несъедобным».

— Михаил Петрович, сегодня в Михайловском театре состоится концерт, в котором прозвучит в том числе 33-я симфония Сергея Слонимского. Чьей инициативой было её исполнить?

— Моей. Шла запись телепередачи «Царская ложа», куда мы с Сергеем Михайловичем были приглашены в качестве гостей, и он мне подарил партитуру симфонии. Это было год назад. Но вообще я Слонимского знаю давно, ведь это мэтр нашей петербургской композиторской школы. И мой дедушка — дирижёр Джемал Далгат — его хорошо знал. Было приятно, что мне дарят партитуру только что написанного произведения, подписанную самим композитором, известным, без преувеличения, во всем мире. Так появился хороший повод его исполнить.

— Что для вас возможность «выйти из ямы»? Может быть, вы задумывались о том, чтобы стать филармоническим дирижёром и не зависеть от режиссёрских экспериментов, которые в последнее время часто разочаровывают?

— Я такой же оперный дирижёр, как и филармонический, и в Европе часто дирижирую симфоническими концертами. Так что это даже не для меня возможность «выйти из ямы», а скорее для оркестра.

— Что это ему дает?

— Оркестру театра точно так же важно подниматься на сцену, как симфоническому оркестру — играть оперу: это другая концентрация, другое ощущение формы. Ну и плюс внешний вид: когда музыкант сидит в яме, он чувствует, что внимание публики настроено не на него. Из-за этого многие инструменталисты не хотят идти в оперу, что не совсем правильно, поскольку сейчас есть общемировая практика выводить оркестр на сцену. Так что никакой Америки я не открыл, решив играть симфонические концерты. Во всём мире это уже есть.

— Я знаю, что у вас на рабочем столе ещё одна партитура Сергея Слонимского — опера «Король Лир»...

— Не исключаю, когда-нибудь мы сможем ее поставить. Но в ближайшее время не вижу такой возможности.

— Тяжело работать над партитурой, которая ранее не звучала?

— Ну, я же учился, есть такой предмет — изучение партитур. Садишься за рояль или встречаешься с композитором... Это вообще очень интересно и здорово, если есть возможность встретиться с композитором. Стравинский, Прокофьев, Шостакович хотя, казалось бы, жили не так давно, но так же недосягаемы для нас, как Моцарт или Бах. А здесь уникальный момент — личная встреча с классиком! Это очень здорово. Кстати, когда произведение ещё свежее, композиторы — так делал и Шостакович, и Прокофьев, да все! — ещё что-то могут подправить. Во время оркестровых репетиций могут что-то новое услышать. Такой взаимный интересный процесс.

— Но и ответственности больше. Потому что, когда играешь того же Моцарта, он не придёт и не возмутится, что ты тут наиграл. А здесь...

— Как раз насчёт Моцарта... Его играть очень сложно. Потому что его уже сыграли 300 миллионов раз до нас и плюс каждый сидящий в зале точно знает, как надо исполнять. А это апологеты совершенно разных стилей, и всем никогда не угодишь! Если ты исполняешь Моцарта, допустим, в Зальцбурге, всегда будут критики, которым обязательно не понравится. Потому что кто-то считает, что прав был Караян, а еще кто-то, что Арнонкур или Спинози.

— Как выстраиваются ваши отношения с оркестром: вы главный или равный?

— Здесь вот что важно: когда выступаешь со своим оркестром, ты работаешь и на перспективу тоже. Допустим, ты можешь поставить молодого солиста-инструменталиста, пусть в ущерб сиюминутному успеху, но ты понимаешь, что занимаешься воспитанием, работаешь на будущее. Здесь дело не в том, главный ты или нет, а в том, что меняется специфика работы... Например, если тебя пригласили в западный оркестр и там киксуют и ошибаются духовые, все понимают, что это их проблемы, а не твои. А если здесь нечто подобное — это уже совсем другое дело.

— А бывало ли, что оркестр, куда вы, может быть, приезжали один-два раза выступить, вас не понимал? Ведь движения дирижёра весьма индивидуальны.

— Иногда случались непростые моменты, но они не связаны с манерой дирижирования. С оркестром Монте-Карло пару репетиций у нас было состояние холодной войны, но потом была третья, четвёртая репетиция, и мы пришли к консенсусу. Причина была в неправильно понятой реплике. Сейчас у меня с ними очень хорошие отношения, через год опять поеду с этим оркестром выступать.

— И как же заново завоевать доверие оркестра? Тем более что в Европе другая система отношений, там музыканты часто решают, какой дирижёр им нужен.

— Просто делать своё дело и не обращать внимания. Любой оркестр в принципе готов подавить дирижёра, особенно если он молодой, — просто мгновенно. Знаете, Товстоногов, когда пришёл в БДТ и услышал, что его «съедят», ответил: «Имейте в виду, я несъедобный». Если дирижёр покажет, что он «несъедобный», он сможет работать с любым оркестром. А если дирижёр готов даже под маленьким прессингом сломаться, начать нервничать, пойти на поводу у оркестра — музыканты не любят с такими работать.

— А как вы становились «несъедобным»?

— Я ничего для этого не делал. Более того, я знаю точно, что нет никакого универсального рецепта. Нужно очень естественно себя вести. Это зависит от того, какой у тебя в принципе характер: если ты жёсткий человек, можешь иногда резко что-то сказать. Ведь главное — не то, как ты себя ведёшь за пультом, а результат, и это ценится — и оркестром тоже. А может быть, ты очень мягко сможешь объяснить, потому что ты мягкий. Может, ты весёлый человек — и тогда ты юмором сможешь достичь желаемого. Но если у человека не очень хорошее чувство юмора, а он начнёт шутить перед оркестром, это будет просто нелепо. Я часто слышал, как других учат: «Тебе надо быть более резким». И человек, который этого совершенно не умеет, начинает рявкать и тут же получает в ответ.

— А вы шутите с оркестром?

— Конечно. Но нечасто. Балагурить тоже не надо.

— Изменилось ли ваше отношение к анекдотам про дирижёров с тех пор, как вы перешли из оркестрантов по другую сторону пульта?

— Для оркестрантов часто маленькая отдушина — сочинить анекдот про дирижёра. И есть масса остроумных. И многое в этих анекдотах — правда. Дирижёры сами дают поводы. Так что — нет, не изменилось.

— Скажите, а вы ещё играете на скрипке?

— Чтобы хорошо играть на скрипке, ею надо заниматься всё время. Иначе это только Шерлок Холмс мог.

— Но бросать инструмент — это большая внутренняя боль, по себе знаю! Столько лет...

— Понимаете, я на скрипке хотя и добился больших оркестрантских успехов, у меня были уже непреодолимые технические проблемы. Они шли с самого детства: я много играл в футбол, мало занимался... И возникшие проблемы мне не давали перейти на следующий уровень, я упирался в потолок. Не могу сказать, что так уж сильно скучаю по скрипке, и не думаю, что музыка потеряла в моём лице выдающегося исполнителя. Скрипка по мне не скучает — и правильно делает.

— У вас очень интеллигентная и, наверное, строгая семья. Довольны ли они вами?

— Совсем нестрогая. Просто они все получили очень высокое образование. Они довольны, да. Единственно, бабушка меня критикует, точнее, ворчит, что я участвую в каких-то сомнительных, по её мнению, постановках. Но в принципе, для неё всё, что не в исторических костюмах, сразу становится очень подозрительным.

— А вы сами собой довольны?

— Я? Я вообще не понимаю, что я здесь делаю. Много дирижёров умнее, лучше, веселее, они лучше знают музыку и лучше умеют дирижировать, и руки у них более понятные. Я серьёзно это говорю. Мне до сих пор странно, как это всё получилось.

Алина Циопа, «Невское время»

0

8

+1

9

http://sg.uploads.ru/t/38Mwu.jpg
07.04.2015

«Мой друг, это действительно ты!»

В музее Михайловского театра выставлен бюст народного артиста СССР Никиты Долгушина работы петербургского скульптора Вячеслава Коваленко. В течение месяца в специальной книге отзывов посетители театра оставляли мнения о модели для памятника, который планируется установить на могиле артиста на Смоленском кладбище.

Всего комментариев более сотни — и ни одного негативного. Особую ценность представляют впечатления друзей артиста и людей, знавших Никиту Александровича долгие годы. «Памятник отвечает сущности Никиты Долгушина. Его удивительный взгляд устремлен куда-то в вечность», — написала в книге отзывов народная артистка России Алла Евгеньевна Осипенко. Балетовед Ольга Розанова в своей записи отметила, что «памятник весьма удачен, выразителен, значителен, как и его оригинал». Эстонский хореограф Майя Мурдмаа написала: «Мой друг, это действительно ты — умный, талантливый, творческий».

0

10

Марине Семеновой тоже можно было поставить памятник

0

11

15.04.2015

Возвращение «Онегина»
http://sg.uploads.ru/t/oMSZt.jpg

В мае на нашу сцену возвращается опера «Евгений Онегин» в постановке Андрия Жолдака. Год назад этот спектакль стал триумфатором «Золотой маски». Дебютная оперная работа известного европейского режиссёра получила награды сразу в трех номинациях и была названа «лучшим спектаклем в опере» и «лучшей работой режиссера в опере».

Перед премьерой спектакля в 2012 году Андрий Жолдак говорил, что его версия оперы Чайковского станет своеобразным тестом для культурного Петербурга. Как оказалось, опыт знакомства с «черно-белым» «Онегиным» оказался очень своевременной прививкой, которая помогла консервативной части публики оценить авангардные поиски Андрея Могучего в «Царской невесте» и радикальное прочтение «Трубадура» Дмитрием Черняковым.

Спектакль Жолдака дает огромную свободу для восприятия и трактовок. Нюансы и подтексты сценического текста метафорически сплетены с вехами биографии и особенностями личности композитора. Сам режиссер в своих интервью подчеркивает, что в его «Онегине» присутствует «мощный интерес к человеку, к человеческому, к человечности». С другой стороны, по его признанию, он стремился раскрыть очень важную для Чайковского тему черного и белого, столь сильную в «Лебедином озере». Наконец, «перевернув бинокль» и лишь издалека посмотрев на Пушкина, автора литературного «Онегина», постановщик пытался передать «страстность натуры Чайковского», и поэтому спектакль «буквально насыщен взрывными частицами, электронами страсти».

Планировалось, что, собрав урожай наград, «черно-белый» «Онегин» продолжит свою сценическую историю в Национальной опере Бордо. Но во французском театре сменилось руководство, и реализация проекта откладывалась. В то же время Михайловский театр получал шквал обращений и писем с просьбой вернуть жолдаковского «Онегина» на родную сцену. Долгожданное для многих возвращение спектакля посвящено 175-летию Чайковского. Премьерные спектакли пройдут 5, 6, 10 и 11 мая. Состав исполнителей такой же, как и в 2012 году: Татьяна Рягузова — Татьяна, Янис Апейнис — Онегин, Ирина Шишкова — Ольга, Евгений Ахмедов — Ленский. За дирижерский пульт встанет маэстро Михаил Татарников.

0

12

Клуб друзей театра побывал на экскурсии в АРБ им. Вагановой. Галерея фотографий на нашем сайте http://www.mikhailovsky.ru/media/photo/ … t_academy/
http://sg.uploads.ru/t/gClY7.jpg
http://sh.uploads.ru/t/o6sPE.jpg
http://sg.uploads.ru/t/XAGd8.jpg
http://sh.uploads.ru/t/8bN2R.jpg
http://sg.uploads.ru/t/x5Vmq.jpg
http://sh.uploads.ru/t/I3XSH.jpg
http://sg.uploads.ru/t/knPWR.jpg
http://sh.uploads.ru/t/UqBEd.jpg

+1

13

Встреча с Леонидом Сарафановым
http://mikhailovsky.ru/media/video/an_e … sarafanov/

0

14

29.04.2015

29 апреля — Международный день танца!

Международный день танца отмечается ежегодно с 1982 года по решению ЮНЕСКО в день рождения французского балетмейстера Жана Жоржа Новерра, реформатора и теоретика хореографического искусства. В 1759 году в своем знаменитом труде «Письма о танце» Новерр обобщил накопленный к тому времени опыт в области хореографии и обосновал принципы балета-пьесы, воплощаемого средствами пантомимы и танца в творческом содружестве с композитором и художником.

В честь праздника мы подготовили фотогалерею звезд нашей балетной труппы.

http://sg.uploads.ru/t/ka4N0.jpg
http://sh.uploads.ru/t/TY85y.jpg
http://sh.uploads.ru/t/C9UeX.jpg
http://sh.uploads.ru/t/bfxRG.jpg
http://sg.uploads.ru/t/xW9ob.jpg
http://sg.uploads.ru/t/hDYNr.jpg

0

15

Иван Васильев: "Лучший способ сплотиться — сделать одно произведение искусства"
Интервью со звездой мирового балета

Иван Васильев готовится к премьере «Балета №1» — постановки, в которой он не только танцор, но еще хореограф и режиссер. Мы пробрались на одну из репетиций, чтобы под музыку Мориса Равеля расспросить Ивана о балете, отдыхе, мечтах и реальности, а 18 мая собираемся на «Балет №1» в Барвиха Luxury Village

Мы заходим в зал в самый разгар репетиции и именно в тот момент, когда Иван Васильев в буквальном смысле слова зависает в воздухе, показывая артистам своего «Балета№1» технический элемент со сложнопроизносимым названием. Для Ивана — дело обычное, для нас, конечно, фантастика. Через несколько секунд зазвучат вступительные аккорды из «Болеро» Равеля — репетируют второй акт постановки в хореографии Васильева, который явно знает, как сделать так, чтобы зрители онемели от восторга. Наш пример это вполне подтверждает. Впрочем, нужные слова мы быстро находим — общаться с Иваном интересно не меньше, чем смотреть на него в танце. Без промедления договариваемся перейти на «ты» — звезда мирового балета не страдает даже намеком на положенную статусу «звездную болезнь».

Начнем с воспоминаний. Помнишь, какой был первый балет, который ты увидел на сцене?

Скорее всего, это был балет «Жизель». Помню, что на балеринах там были пачки, а я сидел, совсем маленький, в зале и еще не все понимал. Когда все хлопали, я почему-то стеснялся и хлопал только двумя пальчиками. Мне было почему-то стыдно привлекать к себе внимание.

После этого ты и решил связать свою жизнь с балетом?
Я с трех лет занимался народными танцами и современными танцами тоже, а с семи лет пошел на классический балет. Так что да, по времени получается, что после той первой, запомнившейся мне постановки я и оказался в балетном классе.

Давай сразу обсудим разницу между классическим балетом и современной хореографией.
Это абсолютно разные, но притом очень связанные друг с другом виды искусства. Они уникальны по-своему, и мне нравится, что я могу танцевать и то и другое. Мне сложно сказать, что я люблю только классику или, наоборот, только современный танец, потому что это не так. Классика есть классика — это чистота, каноны, а современная хореография — это все что угодно. Да, такое определение будет самым подходящим. Она и правда может быть чем угодно.

Иван Васильев: "Лучший способ сплотиться — сделать одно произведение искусства" (фото 1)

Классика есть классика — это чистота, каноны, а современная хореография — это все что угодно
http://sg.uploads.ru/t/nhS38.jpg

Ты исполнил роль Спартака в 19 лет, опередив тем самым Владимира Васильева, другого исполнителя этой роли, на 9 лет. Пример показательный. К своим годам ты уже станцевал главные партии в тех постановках, о которых принято грезить как минимум лет десять балетной карьеры. В связи с этим вопрос: о каких ролях ты мечтаешь сейчас? Остались такие?
Да, и правда, я станцевал многое из того, что хотел, о чем мечтал. Недавно вот, например, Ивана Грозного в одноименной постановке — это явно относится к тому, чего я сильно хотел. Есть балеты, в которых еще хочется танцевать, но ты знаешь, сейчас мне интересно немного другое. Мне хочется самому создавать. И я думаю, что это как раз тот момент, когда у меня появляются новые мечты — не только танцевать, но и что-то делать как автор, как постановщик и хореограф.

Давай как раз поговорим о этой новой для тебя роли. Совсем скоро, 18 мая, состоится премьера твоего «Балета №1». Расскажешь нам, что это за постановка?
Это программа из двух актов, первый — отдельные сольные номера, поставленные мной специально для артистов, участвующих в «Балете № 1». Мне хочется показать их в каком-то новом свете, чтобы каждый мог раскрыться по-настоящему, так что у каждого здесь — своя история, не связанная с остальными. Второй акт — это балет «Болеро» на музыку Равеля, где все мы выходим на сцену вместе и рассказываем уже одну историю — про жизнь, про мир, про характер. Я выбрал Равеля, потому что это прекрасная, ритмичная и по-настоящему захватывающая музыка. Когда я думал, что хочу поставить, она сама на меня «посмотрела». И тогда сразу все сложилось.

Иван Васильев: "Лучший способ сплотиться — сделать одно произведение искусства" (фото 2)
http://sg.uploads.ru/t/XV2J8.jpg

Иван Васильев: "Лучший способ сплотиться — сделать одно произведение искусства" (фото 3)
http://sh.uploads.ru/t/JcsVZ.jpg

Это как раз тот момент, когда у меня появляются новые мечты — не только танцевать, но и что-то делать как автор, как постановщик и хореограф
Скажи, а как проходят репетиции? Какой ты руководитель?

Я не ругаюсь, хочу дать каждому свободу, но время еще есть, так что, как знать, может, я могу и подраться. (Смеется.) Мне хочется видеть, что артистам интересно. Все ребята очень талантливые и открытые, работать в таком коллективе действительно приятно. Я сам как танцовщик понимаю, что если артисту неинтересно, то в этом нет никакого смысла. А здесь я этот интерес вижу, есть у нас явно какая-то искра.

Ты был премьером Большого театра, потом уехал в Санкт-Петербург и стал премьером балетной труппы Михайловского театра, а в Большом — приглашенной звездой. Очевидно, что с обоими городами тебя связывает многое. Не буду заставлять выбирать между Москвой и Петербургом, но все же спрошу: какой город тебе ближе?
Я совсем не могу разделять города. Москва, Питер, Нью-Йорк, Лондон — все это просто города. Я в них приезжаю, работаю. Все они очень разные, театры разные и труппы тоже. Я могу точно сказать, что по-настоящему хорошо мне только там, где моя семья. Должно быть, это ощущение дома. Главное, чтобы было куда возвращаться.

У того, кто проводит дни, а порой, уверены, даже и ночи в репетициях, гастролях и выступлениях, все расписано по минутам. Как ты узнаешь о том, что происходит вокруг? Интересно ли тебе это?
С интереса как раз и надо начинать. Балетный мир, как и мир искусства, не связан с политикой, поэтому мы живем всегда в прекрасном творческом настрое, постоянно встречаемся с заграничными и российскими коллегами и всегда чувствуем себя одним большим коллективом. Искусство ведь создано для того, чтобы нести радость и объединять мир. И я правда считаю, что это лучший способ сплотиться — сделать одно произведение искусства.

Но ведь политика и общественность иногда вмешиваются в искусство. Вот взять хотя бы последний пример с «Тангейзером». Как ты к этому относишься?
Без комментариев.

Иван Васильев: "Лучший способ сплотиться — сделать одно произведение искусства" (фото 4)
http://sh.uploads.ru/t/ymtZD.jpg

Иван Васильев: "Лучший способ сплотиться — сделать одно произведение искусства" (фото 5)
http://sh.uploads.ru/t/u7leH.jpg

Давай поговорим о том, как ты отдыхаешь.
О-о-о! (Иван заметно оживляется.) Я очень люблю есть, причем много и вкусно. Жена у меня готовит очень хорошо. (Первая солистка Большого театра Мария Виноградова, жена Ивана, во время нашего разговора сидит рядом и улыбается чересчур скромно.) Я сплю, я лежу. В общем, отдыхать я умею, но недолго. В какой-то момент я от этого устаю и снова хочу оказаться в репетиционном зале.

Скажи, а какой из всех исполненных героев ближе именно тебе?
Все-таки я Спартак. Лидерские качества, чувство справедливости и желание преодолевать тут явно берут верх. Поэтому как-то вот так.

Какой из Ивана лидер, мы сможем проверить уже 18 мая на премьере «Балета №1».
http://sh.uploads.ru/t/kSLuR.jpg
http://sh.uploads.ru/t/5qfp0.jpg

ИСТОЧНИК: HTTP://WWW.BURO247.RU/CULTURE/EXPERT/IV … T-ODN.HTML

+1

16

19.05.2015

«Опера — это горная вершина: голоса и музыка ближе к богу»

Режиссер с мировым именем Андрий Жолдак явно стал героем мая — у него в Петербурге вышли две грандиозные премьеры. В БДТ им. Товстоногова — «Zholdak dreams: похитители чувств» и возобновление оперы «Евгений Онегин» в Михайловском театре. О своих предках, ноу-хау в театре, диктате худруков и продюсеров и о том, в какой стране цензура круче, — Жолдак в интервью обозревателю «МК».

— Андрий, сначала о шумной премьере в БДТ. Как такое приходит в голову — отправить в комедию XVIII века американских астронавтов?

— Одна из тем, которая меня интересует в последнее время, — это как человек связан с космосом. На протяжении 2–3 лет я эту тему включаю в свои композиции, а в данном случае меня интересует, как Universal воздействует на человека и как наш микромир взаимодействует с макромиром. Американские астронавты действительно с темной стороны Луны слышали какую-то музыку. И ту музыку, которую они потом на Земле определили, мы и включили в спектакль. И уже это мне дало возможность развернуть историю о вечной любви. Получаются такие универсальные экраны по Платону — вечная любовь, вечная красота.

— А вечная любовь существует?

— Существует. Она все время перемещается во Вселенной, чтобы избежать уничтожения со стороны темных сил. И она внедряется в подсознание людей, в мозг, в тексты — ищет разные планетарные системы, чтобы знать, как ей выживать. Это вечная борьба темных сил со светлыми.

— А сам ты чувствуешь на себе влияние космоса, независимо от Гольдони? И каким образом?

— Да, чувствую. Вот в 16-м году я буду делать огромный международный проект, связанный с «Солярисом» по Станиславу Лему. И меня эта тема очень волнует — матрица, и что с нами случается в ней. Какие глубинные желания космос нам посылает, а мы их скрываем, боимся. А здесь... Казалось бы, материалы несоизмеримы — комедия Гольдони довольно плоская и вообще не моя тема. И при этом — космос, мировая душа, которая, по Треплеву, разделена (главный герой пьесы Чехова «Чайка». — М.Р.). Ее гонят, как на охоте, она все время перемещается. У Гольдони она попала в человеческую цивилизацию, чтобы ее половинам встретиться через главных героев. Так я себе придумал. Спектакль для молодежи, от 18 до 23: я много там использую цитат из фильмов, которые они знают.

— Говорят, что у тебя был очень тяжелый выпуск Гольдони и проблемы с руководством БДТ. Насколько это правда?

— У меня были разные выпуски спектаклей, разной сложности в разных странах. Но такого сложного, с таким давлением, как в БДТ, нигде не было. Премьеру Андрей Могучий переносил два раза, предлагал мне поменять концепцию. Я так нервничал, что у меня до сих пор одна рука нечувствительна. А тогда как парализованная была.

— Ты много работаешь за рубежом. Там испытываешь давление со стороны продюсеров? Или это только у нас?

— Испытываю постоянно. И во всех странах.

— Какого характера давление — художественного, экономического? Тебе говорят «вы разоряете нас своими масштабными фантазиями»?

— Когда я в Финляндии ставил «Вишневый сад», там было давление из-за хронометража. А в Румынии — политическое. Я делал там «Принцессу Турандот» и хотел отразить в ней времена Антуанеску, фашистской Румынии, которая была в коалиции с Гитлером. Продюсеры мне так прямо и сказали: не надо трогать Антуанеску, не надо рисковать.

— А исключения бывают?

— В Германии единственный пример — театр «Фольксбюне» Франка Кастрофа. Просто он сразу заявил, что он мне доверяет, и пришел ко мне только на премьеру.

— А в Украине, на своей исторической родине, ты испытывал прессинг?

— В Харькове у меня в 90-е годы был известный скандал, когда я ставил «Ромео и Джульетту». Да, он был скандальным, радикальным на то время. Делал его по заказу и на деньги Берлинского фестиваля. Там у меня было 80 актеров на сцене — 40 мужчин и 40 женщин, я их всех раздел — для академического театра это был шок. И когда спектакль увидели, меня вызвали и сказали, что его не будет. Так что я сделал? Я написал заявление и ушел из театра. И уехал из страны. А в «Гольдони» я никого не раздевал. Я уже из этого вырос, я меняюсь.

— Если отстраниться от собственного художественного эго, ты как режиссер можешь понять продюсеров, рискующих деньгами? Или худруков/директоров, которые теперь рискуют местом, расплачиваясь за эксперименты режиссеров?

— Если, скажем, я буду ставить у Фокина, мне важно, чтобы он пришел за пять дней до выпуска и спокойно мог разобрать, посмотреть. Потому что мы, режиссеры, когда много материала, теряем зрение. И чужое мнение тут важный момент. Но дальше — соглашаюсь я с этим или нет. Если речь идет о длиннотах, на которые мне указывает артистический директор или приглашенный критик, я согласен. Но если мне предлагают менять концепцию или мои мысли, то я не буду этого делать.

У меня у самого когда-то был театр Леси Курбаса — 350 человек работало. И я представляю, как позвал бы режиссера на постановку, допустим, «Короля Лира». Он показал бы прогон за 5 дней до премьеры, мне что-то не понравилось — я об этом сказал. Но дальше он выпускает мне спектакль, как хочет, потому что мне в афише нужно именно ЕГО имя. И мне важно, как ОН видит Гольдони или Шекспира. А делать режиссеру «аборт» — лазить ему в живот, менять ребенку цвет волос и глаз — я никогда не буду. Я не хочу предавать искусство и марать свое имя таким образом. В моем случае с БДТ и Могучим — все равно что Пикассо режет картины Матисса. А не галерист режет.

— Вот «Тангейзер» Новосибирской оперы. Директор должен был знать о концепции режиссера, которая так возбудила православных?

— Должен был знать. И я думал, он знал — это же большая опера. Для меня вопрос искусства и цензуры в любой стране очень важный. Художник все равно должен быть свободным. Другое дело, что до премьеры на показы надо звать разных людей: философов, критиков, друзей — так делал когда-то Любимов на Таганке. Смотрели вместе материал, а потом разные мнения обсуждали.

— Интересно, цензура в искусстве в России — она самая цензурная из всех существующих или бывает жестче?

— Я выпускал в Германии в «Оберхаузе» «Метаморфозы» Кафки. И я как бы по Кафке шел, а в конце сделал резкий поворот: сестра главного героя выходит замуж за эсэсовца, то есть она таким образом выбрала свое будущее. Красивая сцена была — Гендель звучал и так далее. А на экране шел текст: «Одна сестра Кафки погибла в лагере, другая...» И немцы не очень хотели, чтобы я это делал в Дортмунде, где много неонацистов. Они старались меня мягко убедить, по-всякому влияли на меня, даже ужинали со мной в ресторане, но я сказал: «Нет, я делаю». И они позволили мне. А в России то же самое сделали бы очень резко. Вот тебе и вся разница. Возвращаясь к вопросу о цензуре, могу сказать только одно: ее в искусстве не должно быть.

— Еще вопрос о премьере в БДТ «Zholdak dreams: похитители чувств», где у тебя ноу-хау в виде кинодубляжа в театре. Впервые использовал такой прием?

— Впервые. Благодаря дубляжу появляется некая фантомность в этой истории. Это не импровизация: я каждую секунду срепетировал — как говорить актерам в микрофон. По сути, это такая старая школа МХАТа — петелька—крючочек. И надо сказать, что актеры очень хорошо играют.

— Практически одновременно произошло возобновление в Михайловском театре «Евгения Онегина». Это первая опера в твоей жизни. Тебе понравилось работать в опере?

— Очень. Я даже испугался, как мне это понравилось. Я всю жизнь занимаюсь драмой, люблю ее и понимаю, и вдруг такая измена ей. Я очень чувствую музыку и иду от нее: слушаю фонограммы и тут же придумываю мизансцены. Опера — это такая горная вершина: голоса, музыка ближе к богу, и возникает иллюзорность театра. С одной стороны, я боюсь, а с другой — в опере большие возможности. И музыкальная дисциплина: все певцы знают партитуры, и нужно только отдаться своим фантазиям и поискам глубины правды. А в драме — это каторжный труд, чтобы намыть «камни» — эти правильные сцены. Когда Някрошюс сделал в Большом театре свою первую оперу «Дети Розенталя», а я еще не работал в опере, я его спросил: «Ну как?» И он мне сказал: «Прекрасный санаторий по сравнению с драмой: настолько все прозрачно, ясно». И это правда, то есть ты попадаешь в какие-то райские условия из-за музыки, из-за пения актеров.

Я, когда репетировал «Евгения Онегина» в Михайловском, очень нервничал, даже начал кричать на артистов, но ко мне подошла костюмер, такая пожилая дама, и спросила: «Вы первый раз в опере ставите?» — «Да, первый». И тогда она рассказала: «Вы должны понять, что певцы — это птички. На них нельзя кричать. Потому что у них от страха горло перекрывается, и они петь не смогут. Поэтому кричать на них не надо». И я теперь все время это держу в голове. На опере стараюсь не кричать: смотрю на сцену и вижу: пошла птичка желтенькая, потом красненькая или черный ворон. А в драме другое дело.

— Каковы оперные планы?

— В следующем году буду ставить оперу в Антверпене — «Царя Кандалоса». А сейчас в ноябре в Михайловском сдам «Кармен». У меня появился свой немецкий агент, который считает, что я должен бросить драму и заниматься только оперой. Но как я могу бросить драму?

— Для некоторых это очень даже важный вопрос — опера или драма, — хотя бы потому, что в опере, несмотря на «санаторные условия», денег платят больше, чем в драме.

— Я тебе так скажу: большие драматические театры Европы платят тоже хорошие деньги.

— А ты считаешься одним из самых дорогих режиссеров. Был первым, кто в Москве установил самую высокую планку гонорара — 50 тысяч евро.

— Да, я из дорогих режиссеров.

— То есть размер гонорара имеет для тебя решающее значение?

— Сейчас со мной переговоры ведет театр Туманишвили из Тбилиси, их условия скромные, но я был в Тбилиси, увидел этих актеров, сам город и понял, что должен это сделать не ради денег. Деньги идут вторым планом. Но, скорее, это исключение, потому что... как лучше сказать... Вот я когда-то давно на блошином рынке увидел статуэтку — такие железные маски театральные. У меня с собой было, наверное, долларов 100, а продавец масок просил 150. Я стал торговаться, но он сказал твердо: «Из принципа не продам, потому что это стоит именно столько». В результате он не продал маски, и я долго думал почему. Понял: потому что есть такая цена.

Скажем, я читал лекцию, точнее сказать, свою теорию театра, в Токио, Сеуле, Мадриде, только что был в Сан-Пауло — за это мне платят серьезные деньги. А в Белграде я бесплатно читал эти же лекции: считаю, для нового поколения Сербии такие лекции важны. А с другой стороны, когда со мной 2–3 года назад вел переговоры Театр наций, а я хотел с Женей Мироновым что-то сделать еще до Лепажа, то мне предложили гонорар как для студента. Я не стал ничего делать.

— Тема Украины для тебя открыта или табу? Ты себя позиционируешь все-таки как украинский режиссер?

— Я везде пишу, что я украинский режиссер. Мало того: дома я говорю по-украински и думаю по-украински. Я, конечно, человек земли, но как-то давно сказал: «Если бы я был монгольским режиссером и Монголия оказалась бы в беде, то я бы должен быть монголом и защищать Монголию». Художник всегда должен быть на стороне слабых. И я за Украину, которая европейская. Но я не лезу в политику. Я могу спокойно приехать на Украину, у меня мама живет в Киеве. Но если ехать туда, то я хотел бы что-то там поставить. Я из семьи Тобилевичей — 100 лет назад жили три брата с такой фамилией: один основал Национальный театр, а другой — академию. И сейчас улицы названы в их честь.

— А почему же ты не Тобилевич?

— Я раньше подписывал афишу Тобилевич IV и получил за это шквал критики. А мой дедушка, профессор математики, двоюродный брат Арсения Тарковского — с Тарковским мы родственники: Тобилевичи и Тарковские при царе имели земли на Херсонщине. А Жолдак — фамилия моего папы.

Марина Райкина, «МК»

0

17

http://sh.uploads.ru/t/V3ti6.jpg
22.05.2015

Благотворительные концерты
Михайловский театр совместно с фондами помощи детям-инвалидам «Умка» и «Большая медведица» проводит серию концертов на сцене Эрмитажного театра. Первый концерт, состоявшийся 7 мая, стал настоящим праздником для маленьких зрителей. На следующем, который пройдёт 26 мая, артисты балета Михайловского театра Юлия Каримова, Сабина Яппарова, Юлия Зубарева, Виктория Шишкова, Татьяна Мильцева, Иван Тараканов, Константин Килинчук, Леонид Кисиль, Павел Виноградов, Андрей Маслобоев исполнят фрагменты из балетов «Арлекинада», «Жизель», «Спящая красавица», «Фея кукол» и «Корсар».

0

18

http://sg.uploads.ru/t/gLGcb.jpg
02.06.2015

«Соло для двоих»

На сцене Михайловского театра 30 июля впервые в Петербурге будет показана программа, раскрывающая новые грани уникального таланта звездных танцовщиков Натальи Осиповой и Ивана Васильева. Сравнительно с первым показом, прошедшим прошлым летом сначала в Калифорнии, а затем в Москве, для петербургской премьеры подготовлена новая версия — «Соло для двоих. Volume 2».

Хореограф Алистер Мариотт, приглашенный продюсером Сергеем Даниляном, поставил для Натальи и Ивана композицию ZEITGEIST на музыку первого скрипичного концерта Филиппа Гласса. Для участия в российской премьере привлечены талантливые молодые артисты Лондонского Королевского балета — Марселино Самбэ, Томаш Мок и Дональд Том. Ранее Алистер Мариотт уже работал с Натальей Осиповой в Лондоне, где для нее и ее партнера по Королевскому балету Эдварда Уотсона поставил балет CONNECTOME.

Иван Васильев, в свою очередь, привлек к проекту молодого российского хореографа и танцовщика Владимира Варнаву, который выбрал для своей постановки тему «Моцарт и Сальери». В Петербурге пройдет мировая премьера. Постановщик рассказал, что источником его вдохновения послужила кантата «На выздоровление Офелии», написанная Моцартом и Сальери в соавторстве в 1785 году. Ивану Васильеву предстоит исполнить роль Моцарта, себе хореограф оставил роль его антагониста.

Третье сочинение в программе вечера осталось неизменным: это постановка Артура Питы на музыку Фрэнка Муна FACADA, признанная самой яркой и зрелищной частью первой версии проекта. Когда в январе 2015 года Наталье Осиповой вручали премию Британского Круга критиков, роль в этом балете была названа в числе самых выдающихся ее работ. Партнершей Натальи Осиповой и Ивана Васильева в этой постановке выступит еще одна представительница Лондонского Королевского балета — Элизабет МакГориан в роли Женщины в черном. Партию Музыканта, как и на премьере, исполнит сам композитор Фрэнк Мун.

В настоящее время идут репетиции программы — в Лондоне, Санкт-Петербурге и Москве.

0

19

http://sh.uploads.ru/t/MtuLq.jpg

16.06.2015

Театр как образцовый работодатель

Михайловский театр вновь получил Сертификат доверия как работодатель, гарантированно соблюдающий трудовые права работников. Впервые театр был отмечен этим знаком в 2012 году и был тогда практически единственным театральным коллективом Петербурга, имеющим такой статус. Сейчас звание образцового работодателя закреплено за театром еще на 3 года.

Решению о присуждении этого знака отличия предшествует работа трехсторонней комиссии, которая всесторонне изучает трудовые отношения в творческих цехах, технических службах и подразделениях театра.

Сертификат доверия работодателю в Санкт-Петербурге выдается организациям, безукоризненно действующим в рамках трудового законодательства. Значение этого документа обусловлено тем, что он свидетельствует о доверии трех крупнейших инстанций: Государственной инспекции труда, Федерации профсоюзов Санкт-Петербурга и Ленинградской области, Регионального объединения работодателей «Союз промышленников и предпринимателей Санкт-Петербурга». Таким образом, государственные и общественные институты в очередной раз подтвердили, что Михайловский театр гарантированно соблюдает трудовые права работников. Театр ценит оказанное ему доверие и продолжит целенаправленную работу над улучшением условий труда.16.06.2015

Театр как образцовый работодатель

Михайловский театр вновь получил Сертификат доверия как работодатель, гарантированно соблюдающий трудовые права работников. Впервые театр был отмечен этим знаком в 2012 году и был тогда практически единственным театральным коллективом Петербурга, имеющим такой статус. Сейчас звание образцового работодателя закреплено за театром еще на 3 года.

Решению о присуждении этого знака отличия предшествует работа трехсторонней комиссии, которая всесторонне изучает трудовые отношения в творческих цехах, технических службах и подразделениях театра.

Сертификат доверия работодателю в Санкт-Петербурге выдается организациям, безукоризненно действующим в рамках трудового законодательства. Значение этого документа обусловлено тем, что он свидетельствует о доверии трех крупнейших инстанций: Государственной инспекции труда, Федерации профсоюзов Санкт-Петербурга и Ленинградской области, Регионального объединения работодателей «Союз промышленников и предпринимателей Санкт-Петербурга». Таким образом, государственные и общественные институты в очередной раз подтвердили, что Михайловский театр гарантированно соблюдает трудовые права работников. Театр ценит оказанное ему доверие и продолжит целенаправленную работу над улучшением условий труда.

0

20

21.07.2015

Владимир Мединский вышел из состава Попечительского совета

Министр культуры Российской Федерации В.Р. Мединский с октября 2013 года являлся председателем Попечительского совета Михайловского театра. Несколько дней назад он покинул этот пост. Аналогичное решение министр принял в отношении своего членства в попечительских советах других театров и музеев, назвав причиной «равнозаинтересованный подход к оценке деятельности и планам развития всех учреждений культуры». Михайловский театр благодарит В.Р. Мединского за его вклад в нашу творческую жизнь. Ниже размещен текст письма, отправленного министру художественным руководителем театра В.А. Кехманом.

Уважаемый Владимир Ростиславович!

От всего коллектива Михайловского театра и от себя лично благодарю Вас за Ваш вклад в устойчивое и динамичное творческое развитие нашего коллектива. Период, в течение которого Вы занимали пост председателя Попечительского совета Михайловского театра, был ознаменован целым рядом значительных художественных событий, оперных и балетных премьер, фестивалей, гастрольных турне. Репертуар пополнился новыми постановками, которые пользуются любовью зрителей и вниманием экспертов. Наши спектакли номинировались на национальную театральную премию «Золотая маска», и награда по итогам сезона 2012/13 в номинации «лучший оперный спектакль» была вручена нашему театру. По итогам гастролей в Лондоне балетная труппа получила от Британского круга критиков звание «лучшей балетной компании». Михайловский театр активно развивал и укреплял международные связи: были выпущены спектакли совместно с ведущими оперными домами Европы — Берлинской штатсоперой и Королевским театром Ла Монне. Балетные спектакли, впервые увидевшие свет на нашей сцене, идут теперь в Милане и Берлине. Важными вехами в истории нашего театра стали первые балетные гастроли в Соединенных Штатах Америки — в Нью-Йорке и Калифорнии, а также гастроли балета и симфонического оркестра в Японии. Гастроли, сопровождавшиеся шумным успехом, проходили при поддержке Министерства культуры Российской Федерации и Вашем лично заинтересованном внимании, за что мы Вам особенно признательны. Надеюсь, что мы и впредь можем полагаться на Вашу помощь и содействие в решении важных вопросов жизни театра.

0

21

08.07.2015
«Корсар». Новая жизнь старинного шедевра

Первой премьерой предстоящего сезона станет балет «Корсар» в редакции главного балетмейстера Михайловского театра Михаила Мессерера.

«Спектакли продолжают жить, если они обновляются, — утверждает Михаил Григорьевич. — История балетного театра не оставляет сомнений на этот счет. Некогда известные балеты, которые не были отредактированы и обновлены, просто не дошли до наших дней и утеряны навсегда. Так, например, благодаря тому, что Мариус Петипа создал собственную версию „Жизели“, на сцене сохраняется этот шедевр романтизма; „Баядерка“ продолжает жить благодаря Вахтангу Чабукиани и Владимиру Пономареву. Восстанавливая „Корсар“, я не ставлю своей целью добиться „аутентичности“ или „исторической подлинности“: я хочу создать интересный спектакль, который увлечет публику и сохранит блестящие хореографические находки Петипа и его предшественников.

Балету «Корсар» больше полутора веков. Точка отсчета в его непростой истории — премьера в Парижской опере в 1856 году. Взяв за основу этот спектакль Жозефа Мазилье, два года спустя Жюль Перро поставил «Корсар» в России. А еще через некоторое время находки Перро использовал в своей постановке Мариус Петипа — и в дальнейшем неоднократно возвращался к «Корсару», совершенствуя при каждом возобновлении. В начале 20-го века обновленную версию «Корсара» предложил Александр Горский. В советское время, используя хореографию предшественников, свои редакции выпустили Агриппина Ваганова, Петр Гусев, Нина Гришина, Олег Виноградов, Юрий Григорович, Дмитрий Брянцев. В 21-м веке появились версии Алексея Ратманского и Фаруха Рузиматова.

«Работая над возобновлением „Корсара“, я опирался на версию Константина Сергеева, поставленную для Кировского театра в 1970-х годах, — рассказывает Михаил Мессерер. — Именно в редакциях Сергеева целый ряд балетов классического наследия продолжает радовать зрителей в Петербурге и сегодня. К сожалению, его элегантная версия „Корсара“ здесь уже долгие годы не идет. Мне посчастливилось быть лично знакомым с Константином Михайловичем, и мне особенно приятно пригласить зрителей на спектакль, который создается по „рецептам“ этого выдающегося мастера».
http://s1.radikale.ru/uploads/2015/8/31/fcdaac094d66b936a3fb36dc109bc891-full.jpg

0

22

Новости Михайловского театра.
http://s6.uploads.ru/t/SMOvN.jpg
25.09.2015

Балет, лекция, поп-арт

В рамках проекта «Территория искусств», созданного совместно с Русским музеем, выпущен абонемент «Современные формы пластики — искусство и балет». В новом сезоне его держатели смогут посетить один из самых известных спектаклей Начо Дуато, прослушать лекцию о современной хореографии и попасть на выставку поп-арта в Мраморный дворец.

31 октября в Инженерном замке программу абонемента откроет уникальная лекция «Новейшая хореография — опыт постижения пространства». 27 ноября на сцене Михайловского театра будет представлен балет «Многогранность. Формы тишины и пустоты» — хореографическое сочинение Начо Дуато, в котором пластика тела, ведомая барочной музыкой, рождает историю о жизненном пути и творческом воплощении гения — Иоганна Себастьяна Баха.

Завершит программу абонемента знакомство с актуальными формами изобразительного искусства. 19 декабря в залах Мраморного дворца состоится экскурсия «Музей Людвига в Русском музее». В экспозиции будут представлены произведения поп-арта и немецкого неоэкспрессионизма.

Абонемент можно приобрести в кассе и на сайте театра.

0

23

Эрмитаж пригласил Михайловский театр ставить новые спектакли на своей сцене
http://s3.uploads.ru/t/IaqW0.jpg

Культура  20 октября, 17:52 UTC+3
Первые представления зрители увидят уже в ноябре
САНКТ-ПЕТЕРБУРГ, 20 октября. /ТАСС/. Государственный Эрмитаж и Михайловский театр заключили соглашение о реализации ряда совместных творческих проектов в 2015-2017 годах.
"Соглашение предполагает постановку на сцене Эрмитажного театра цикла балетных вечеров и концертных программ, многие из которых Михайловский театр специально подготовит для этой сцены", - рассказал генеральный директор Эрмитажа Михаил Пиотровский.
Он сообщил также, что театр и музей будут сотрудничать в проведении международного фестиваля "Опера" в 2017-2020 годах.
Как отметил художественный руководитель Михайловского театра Владимир Кехман, сцена Эрмитажного театра идеально подходит для творческих экспериментов и нового прочтения классики. "Эрмитажный театр становится площадкой, на которой мы можем получить развитие. Этот зал с уникальной акустикой и уникальной атмосферой. Здесь идеальное место, чтобы сделать совместный проект с музеем", - считает Кехман.
По его словам, первые представления на сцене Эрмитажного театра зрители увидят уже в ноябре. Цикл откроет вечер балетов выдающегося хореографа Начо Дуато. "На этой сцене будут выступать самые выдающиеся и молодые артисты", - отметил художественный руководитель Михайловского театра.
В проекте, связанном с оперой, будут задействованы не только Эрмитажный театр, но и залы Эрмитажа. Там предполагаются выставки, связанные с тематикой постановок.
"У нас сложилась программа, которая очень подходит Эрмитажному театру. Это будет новый пример единения музея и музыкального искусства", - добавил Пиотровский.

0

24

http://s2.uploads.ru/t/UzgvZ.jpg
Планета Образцовой

19 ноября на нашей сцене состоится гала-концерт, посвященный памяти Елены Васильевны Образцовой. Великой певицы больше нет с нами, и будущим поколениям меломанов не суждено ощутить магию ее выступлений. Но она смогла передать молодым певцам, с которыми работала и занималась в течение последних лет, свою любовь к опере, понимание ее могущества и красоты. Память о Елене Васильевне будет сохраняться и благодаря многочисленным записям концертов и спектаклей. И хотя кинокадры не в силах отразить всю глубину натуры и бесценные грани мастерства великой певицы, но они многократно увеличили число ее почитателей при жизни и хорошо знакомы даже тем, кто не смог прикоснулся к живому огню звезды. В гала-концерте все это сольется в один поток — известные записи коронных музыкальных номеров Елены Образцовой и живое искусство выпестованного ею нового поколения вокалистов.

Кармен и Образцова — почти что синонимы. «Кармен — это единственная опера, которую я не пою, а которая поет мною», — признавалась певица в одном из интервью. И подчеркивала, что от сезона к сезону, воплощая образ свободолюбивой цыганки, она лишь подчинялась духу импровизации и эмоциональному потоку великой музыки. В концерте будут представлены несколько фрагментов из оперы Бизе, в том числе сегидилья и финальный дуэт Кармен и Хозе. В Кармен перевоплотится меццо-сопрано Елена Максимова — лауреат конкурса Елены Образцовой, для которой эта победа стала началом серьезной мировой карьеры. Хозе — хорошо знакомый нашим слушателям польский тенор Арнольд Рутковски, певший Манрико в премьерном блоке «Трубадура» прошлой осенью.

«Сельская честь» — еще одно знаковое название в творческой биографии Образцовой. В киноверсии оперы, созданной Франко Дзеффирелли в 1982 году, Елена Васильевна спела и сыграла Сантуццу. Ее партнером был Туридду — Пласидо Доминго. В 2008-м «Сельская честь» стала для Елены Васильевны первой премьерой в качестве художественного руководителя нашей оперной труппы. На концерте симфонический оркестр театра сыграет интермеццо из оперы Масканьи, а Арнольд Рутковски споет арию Туридду. «Любовный напиток» — еще один этапный для нашего театра спектакль, выпущенный под руководством Елены Васильевны. Дуэт Адины и Неморино из комической оперы Гаэтано Доницетти исполнят Наталья Миронова и Евгений Ахмедов. А Мария Литке представит фрагменты из «Пиковой дамы»; в этой опере она неоднократно выходила на сцену вместе с Образцовой — непревзойденной Графиней.

Часть вечера будет посвящена сочинениям, которые хорошо знакомы поклонникам Елены Образцовой по телевизионным передачам и концертам. В исполнении Фёдора Атаскевича прозвучит ария Адама из оперетты «Продавец птиц» Карла Целлера — ее телезрители знают благодаря знаменитой записи 1986 года «Вечера классической оперетты» в Большом зале Московской консерватории. А вместе с Татьяной Рягузовой они представят дуэт Ганны и Данило из оперетты «Весёлая вдова» Франца Легара, исполненный на том же концерте.

+1

25

30.11.2015

Фарух Рузиматов превратится в Фею Карабос
http://s7.uploads.ru/t/1Tsg6.jpg

Легендарный танцовщик Фарух Рузиматов 11 и 12 декабря исполнит партию Феи Карабос в балете «Спящая красавица».

— Мне еще никогда не доводилось исполнять абсолютно женскую роль, — говорит артист. — Был японский номер, в котором я танцевал наполовину мужское, наполовину женское существо, своего рода андрогина с присутствием обоих начал. Женское и мужское есть в любом человеке, другое дело, что превалирует.

— Про Фею Карабос мне пока сложно говорить. Я вообще не люблю рассуждать о роли, пока не станцую ее много раз. Пока могу сказать только, что Фея Карабос для меня очень интересна. Эта роль, где есть отрицательные черты, где они доминируют — для балетного танцовщика это наиболее выигрышные роли. Но я не хочу сказать, что Карабос злодейка или воплощение абсолютного зла. Нет, это красивая фея, красивая женщина. Как, наверное, любая земная женщина, она не может стерпеть обиды. Так возникает желание мести, а, как известно, женская месть явление утонченное. По большому счету, здесь нет конфликта, фею просто не пригласили на тожество. Это примерно то же самое, как если бы в земной жизни какую-то девушку не позвали на день рождения или свадьбу. Так появляется обида, злость и, как следствие, желание отомстить. Сказка не только отрывает нас от реальности, но и показывает земные чувства и обстоятельства более отчетливо.

— Перед премьерой «Спящей красавицы» четыре года назад, я помню, обсуждалась возможность моего участия в этом балете, но тогда что-то не срослось, — вспоминает Фарух Рузиматов. — В начале этого сезона Владимир Кехман снова обратился ко мне с этим предложением. Сейчас идет рабочий процесс, изучение роли. «Спящая красавица» — моя первая встреча с хореографией Начо Дуато. Для танцовщика, который перетанцевал весь классический репертуар, это не просто. Это другая пластика, другие подходы. Много вещей, которые не совсем удобны, но в балете удобно бывает редко. Сейчас идет нормальный рабочий процесс, процесс перебарывания себя и воплощения того, что задумал хореограф.

0

26

http://s3.uploads.ru/t/SDQEn.jpg
Владимир Кехман - Почетный друг Эрмитажа

В Международный день друзей Эрмитажа, 8 декабря, Почетным другом Эрмитажа стал Владимир Кехман. На торжественной церемонии в Главном штабе директор музея Михаил Пиотровский вручил художественному руководителю Михайловского театра диплом и другие атрибуты, подтверждающие этот статус.

8 декабря — это единственный день в году, когда все члены международного Клуба друзей Эрмитажа из разных стран мира приглашаются в музей на общую встречу. Программа ежегодного собрания началась с открытия постоянной экспозиции «Комната Жака Липшица», подготовленной отделом современного искусства, продолжилась выступлением Михаила Пиотровского, рассказавшего о том, чем запомнится для Эрмитажа 2015 год, а завершил ее концерт-подарок Михайловского театра. В грандиозном атриуме Главного штаба, превратившемся в концертный зал, выступил симфонический оркестр Михайловского театра под управлением Игоря Томашевского и солисты Татьяна Рягузова, Мария Литке, Александр Кузнецов, Федор Атаскевич, Борис Степанов. Звучала музыка Чайковского, Верди, Бизе, Дворжака.

+1

27

22.12.2015

http://s6.uploads.ru/t/ylSe6.jpg

Гастроли Михайловского театра в Японии

Традиционные зимние гастроли Михайловского театра в Японии пройдут с 23 декабря 2015 года по 12 января 2016 года. В насыщенной гастрольной афише предновогодняя неделя отдана симфоническим концертам: под управлением музыкального руководителя и главного дирижера театра Михаила Татарникова прозвучат любимые японской публикой классические произведения, в том числе Пятая и Девятая симфонии Бетховена. Балетная труппа, которой предстоит провести новогоднюю ночь в самолете, продолжит гастрольную программу: уже 2 января состоится гала-концерт балета. В последующие дни публике будут показаны «Жизель», «Корсар» и — впервые в Японии — «Лауренсия». Завершится гастрольное турне «Лебединым озером», которое во всем мире считается символом русского балета.

В предстоящих гастролях в Японии примут участие ведущие солисты балетной труппы Михайловского театра: Полина Семионова, Ирина Перрен, Анжелина Воронцова, Анастасия Соболева, Иван Васильев, Леонид Сарафанов, Виктор Лебедев. С особым волнением в Японии ждут очередной встречи с Фарухом Рузиматовым — легендарный танцовщик, который превратился в объект поклонения японских балетоманов, выйдет на сцену в балете «Корсар».

Выступления Михайловского театра будут проходить на самых крупных и престижных сценах страны, таких как «Токио Опера Сити», «Токио Интернэшнл Форум Холл», «Токио Бунка Кайкан», «Токио Метрополитен Театр», «Бункамура Орчард Холл»; их вместимость колоссальна, достаточно сказать, что в Бунка Кайкан свыше пяти тысяч мест. Но есть в программе тура спектакль — «Лебединое озеро» — который пройдет в «школьном театре». Но эта привилегированная школа — Университет Сейтоку — занимает совершенно особое положение в Японии; учебное заведение для девушек, дающее глубокое и всестороннее гуманитарное образование, находится под личным патронатом Его Величества императора Японии Акихито.

0

28

В Японии с огромным успехом проходят гастроли Михайловского театра из Санкт-Петербурга
Версия для печати Код для вставки в блог
В Японии с грандиозным успехом проходят гастроли балетной труппы Михайловского театра. Яркие костюмы, масштабные декорации, виртуозная хореография - публика в полном восторге. Японские зрители, которые славятся своей невозмутимостью, на спектаклях совершенно не скрывают своих  эмоций.

В Японии с грандиозным успехом проходят гастроли балетной труппы Михайловского театра. Яркие костюмы, масштабные декорации, виртуозная хореография - публика в полном восторге. Японские зрители, которые славятся своей невозмутимостью, на спектаклях совершенно не скрывают своих  эмоций.
До спектакля - шесть часов. Сцену самого большого и современного токийского зала готовят к "Лебединому озеру" - при помощи переводчиков российские и японские специалисты вместе развешивают декорации, ставят свет. За кулисами - тоже суета, распаковывают костюмы. Всё-таки "Лебединое озеро", визитная карточка русской балетной школы, обязывает быть на высоте.
Прима Михайловского театра Екатерина Борченко перед гастролями даже брала дополнительные занятия, оттачивала свою партию. Она понимала - здесь зритель будет еще внимательнее, чем дома.
"После каждого спектакля, когда ты выходишь уже уставший, уже без грима, без костюма, они все стоят и ждут, восторженные. И это очень мило, приятно просто безумно", - говорит балерина.
Самое удивительное - очень сдержанная по натуре нация громко выражает свои эмоции и во время представления. Японцы часто аплодируют и даже выкрикивают что-то по- японски. Возможно, "браво"? Но это - сейчас, а в 80-х, когда советские театры только начинали гастролировать, спектакли проходили в полной тишине. И лишь со временем отношение к танцорам, как и к самому балету, в Японии сильно изменилось.
"Хотя государственной балетной школы в Японии нет, балет сейчас становится очень популярным в нашей стране. Уже работает около 4000 студий, и благодаря такому интересу, растёт и уровень наших японских танцоров", - говорит организатор гастролей Михайловского театра в Японии Мичито Кадзи.
Гастрольный график у артистов Михайловского театра очень плотный. Десять дней - девять представлений. Танцуют на самых известных площадках Токио, в том числе, и в легендарном "Бунка Кайкан".
Театральная аллея звёзд: итальянский Ла-Скала, Венская Статс-опера, Американский балетный театр. Сюда, на гастроли в японский "Бунка Кайкан", приезжают труппы со всего мира. Закулисное пространство театра буквально усыпано громкими именами и автографами артистов, которые они оставляют прямо на стенах. Кстати, довольно много русских фамилий. Кто первый взялся за фломастер - сейчас не скажут и сами японцы.
За много лет гастролей труппа привыкла и к некоторым сложностям. Например, реквизит к балету "Корсар" японская таможня просто не пропускает - клинки, сабли и пистолеты приходится искать, а иногда и делать уже на месте.
Красочный балет, пираты, история любви - "Корсар" в постановке Фаруха Рузиматова привёл японских зрителей в восторг еще и потому, что партию Конрада исполнил сам Фарух Рузиматов. В статусе приглашенной звезды он прилетел в Японию с Михайловским театром.
"На сцену надо выходить и максимально отдавать всё. И соответственно, эта энергетика, которая посылается в зал, она, безусловно, возвращается. Тут как бы большого секрета нет. Выйди и умри - тогда всё будет хорошо", - уверен танцор.
Нынешние гастроли еще не закончились, а уже обсуждается следующий приезд. И главное - японская сторона, наконец, заинтересовалась современными постановками театра. Ведь до этого просили привозить лишь классический балет.
"Мне было приятно, что они нас попросили привезти и "Пламя Парижа", и все наши новые балеты - балет "Спящая красавица", например. Я считаю, что это огромный прорыв во взаимоотношениях с японским зрителем", - считает директор Михайловского театра Владимир Кехман.
Неимоверно тяжёлый график, смена часовых поясов - всё это артисты забывают на сцене. Здесь, в Японии, после нескольких лет перерыва в гастролях зал их не отпускает.

+1

29

С Днем Рождения, премьера Михайловского театра, заслуженного артиста РФ ИВАНА ВАСИЛЬЕВА!!!
Здоровья, успехов, счастья, удачи и всех благ!!!

http://s7.uploads.ru/t/fKiqg.jpg
http://s3.uploads.ru/t/PQ0gD.jpg
http://s7.uploads.ru/t/5K2Oj.jpg
http://s6.uploads.ru/t/IjA7n.jpg
http://s7.uploads.ru/t/HzgS3.gif

http://www.ivasiliev.com/ru/bio

0

30

С ДНЕМ РОЖДЕНИЯ!

http://s3.uploads.ru/t/08Qcx.jpg

0


Вы здесь » Форум неофициального сайта Николая Цискаридзе » Мировые тетры оперы и балета » Михайловский театр Санкт-Петербург